Os segredos da Última Ceia. A Última Ceia é uma obra brilhante de Leonardo da Vinci. Como comprar ingressos no último momento
A obra mais famosa de Leonardo é a famosa "Última Ceia" no mosteiro milanês de Santa Maria della Grazie. Esta pintura, na sua forma actual representando uma ruína, foi realizada entre 1495 e 1497. A razão da rápida deterioração, que se fez sentir já em 1517, foi uma técnica peculiar que combinava óleo com têmpera.
Uma das obras mais famosas Leonardo da Vinci localizado no mosteiro de Santa Maria della Grazie em Milão "A última Ceia". O afresco, que hoje é uma visão lamentável, foi pintado no final do século XV. A imagem deteriorou-se muito rapidamente, vinte anos depois a obra-prima já precisava de restauração - a razão para isso era uma técnica especial que combinava têmpera com óleo.
A escrita do afresco foi precedida por uma longa e cuidadosa preparação. Leonardo fez um grande número de esboços, que ajudaram a escolher os gestos e poses mais adequados para as figuras. O artista considerou na trama de “A Última Ceia” não apenas um profundo conteúdo dogmático, mas também uma enorme tragédia humana, que permite revelar os personagens dos heróis da pintura, para demonstrar suas experiências emocionais. Para da Vinci, A Última Ceia foi principalmente uma cena de traição, então uma das tarefas era introduzir uma nota dramática nesta história bíblica tradicional, que daria ao afresco um colorido emocional completamente novo.
Refletindo sobre o conceito de A Última Ceia, o artista fez anotações descrevendo o comportamento e as ações de determinados participantes da cena: “Quem bebeu coloca a tigela sobre a mesa e fixa o olhar no orador, o outro, juntando os dedos , franze a testa e olha para o amigo , o terceiro mostra as palmas das mãos e levanta os ombros surpreso ... ”Esses registros não mencionam os nomes dos apóstolos, no entanto, da Vinci determinou inequivocamente a postura, expressões faciais e gestos de cada um dos eles. As figuras tiveram que ser dispostas de forma que toda a composição representasse um todo único, transmitisse toda a nitidez da trama, cheia de paixões e experiências. Os apóstolos, segundo o plano de Leonardo, não são santos, mas pessoas comuns que vivenciam os acontecimentos à sua maneira.
A Última Ceia é considerada a criação mais madura e completa de da Vinci. A pintura atrai pela incrível persuasão da solução composicional, o mestre consegue evitar quaisquer elementos que possam distrair o espectador da ação principal. A parte central da composição é ocupada pela figura de Cristo representada contra o fundo do portal. Os apóstolos são afastados de Cristo - isso é feito propositalmente para chamar mais atenção para ele. Com o mesmo propósito, Leonardo colocou a cabeça de Jesus no ponto de convergência de todas as linhas de perspectiva. Os alunos são divididos em quatro grupos, cada um dos quais parece dinâmico e animado. A mesa é pequena e o refeitório tem um estilo simples e austero. Graças a isso, a ênfase está em personagens cujo poder plástico é realmente grande. Todas essas técnicas demonstram a profunda intenção criativa e o propósito artístico do autor.
Ao realizar a pintura, Leonardo estabeleceu para si o objetivo mais importante - transmitir de forma realista as reações mentais dos apóstolos às palavras de Jesus: "Um de vocês vai me trair". A imagem de cada aluno é um temperamento e caráter humano quase completo e formado, que tem sua singularidade, portanto sua reação à predição de Cristo é diferente.
Os contemporâneos de Da Vinci viram a genialidade de A Última Ceia precisamente na sutil diferenciação emocional, cuja concretização foi facilitada pela variedade de poses, gestos e expressões faciais dos personagens. Esta característica do afresco o distingue do pano de fundo de obras anteriores que retratam uma história bíblica. Outros mestres, como T. Gaddi, D. Ghirlandaio, C. Roselli e A. Del Castanto, retrataram alunos sentados à mesa em poses calmas e estáticas, como se não tivessem nada a ver com o que estava acontecendo. Esses artistas não foram capazes de caracterizar Judas com detalhes suficientes do lado psicológico e o colocaram isolado do resto dos apóstolos do outro lado da mesa. Assim, a oposição vil de Judas à assembléia foi criada artificialmente.
Da Vinci conseguiu quebrar essa tradição. A utilização de uma rica linguagem artística permitiu prescindir de efeitos puramente externos. Judas em Leonardo está unido em um grupo com outros estudantes, mas suas características o distinguem de certa forma dos apóstolos, de modo que um observador atento reconhecerá rapidamente um traidor.
Todos os personagens da ação são dotados de individualidades. Diante dos nossos olhos, na assembleia, que há pouco estava em completa calma, cresce a maior excitação, provocada pelas palavras de Jesus, como um trovão que atravessa o silêncio mortal. Resposta mais impulsiva à fala Cristo três alunos sentados ao seu lado esquerdo. Formam um grupo integral, unido por gestos e força de vontade comuns.
Philip salta, enviando a Jesus sua pergunta perplexa, Jacó, sem esconder a indignação, levanta as mãos, recostando-se ligeiramente, Tomás levanta a mão, como se tentasse entender e avaliar o que está acontecendo. No grupo sentado à direita do Professor, reina um clima um pouco diferente. Está separado da figura de Cristo por uma distância considerável, e a contenção emocional de seus participantes é óbvia. Judas, segurando uma bolsa com moedas de prata nas mãos, é retratado por sua vez, sua imagem está imbuída de um medo trêmulo de Jesus. A figura de Judas é deliberadamente pintada em cores mais escuras, contrastando fortemente com uma imagem clara e brilhante. John que baixou a cabeça frouxamente e cruzou as mãos humildemente. Preso entre João e Judas Peter, que apoia a mão no ombro de João e lhe diz algo, curvando-se até seu ouvido, com a outra mão Pedro agarra decididamente a espada, querendo proteger o Mestre a todo custo. Os discípulos sentados perto de Pedro olham surpresos para Cristo, como se estivessem fazendo uma pergunta idiota, querem saber o nome do traidor. As últimas três figuras são colocadas no lado oposto da mesa. Mateus, estendendo as mãos para Jesus, indignado, volta-se para Tadeu, procurando dele uma explicação para uma mensagem tão inesperada. Mas o apóstolo idoso também está no escuro, demonstrando isso com um gesto perplexo.
As figuras sentadas em cada extremidade da mesa são mostradas de perfil completo. Isso não foi feito por acaso: Leonardo fechou assim o movimento enviado do centro da pintura, o artista utilizou uma técnica semelhante anteriormente na pintura “A Adoração dos Magos”, onde esse papel era desempenhado pelas figuras de um jovem e um velho localizado nas bordas da tela. No entanto, neste trabalho não vemos técnicas psicológicas tão profundas, aqui são utilizados principalmente meios de expressão tradicionais. Em A Última Ceia, ao contrário, expressa-se claramente um subtexto emocional complexo, que não tem análogos na pintura italiana do século XV. Os contemporâneos de Da Vinci reconheceram imediatamente a genialidade genuína da transmissão de uma história que não era de forma alguma nova e consideraram a "Última Ceia" pelo seu verdadeiro valor, batizando-a de uma nova palavra nas artes visuais.
Jesus Cristo, junto com seus discípulos, é capturado pelo pincel de Leonardo durante seu último encontro no jantar da noite anterior à execução. Portanto, não é surpreendente que o afresco tenha sido feito na sala de jantar do mosteiro. O mestre, como convém a um verdadeiro gênio, trabalhou de forma caótica. Em alguns períodos, ele não conseguia deixar sua criação por dias e depois abandonar o trabalho por um tempo. A Última Ceia foi a única grande obra concluída de da Vinci. A pintura foi aplicada de forma pouco convencional, foram utilizadas tintas a óleo e não têmpera - isso permitiu que o trabalho fosse feito com muito mais lentidão e possibilitou fazer algumas alterações e acréscimos ao longo do caminho. O afresco é escrito em um estilo peculiar, o espectador pode ter a impressão de que a imagem está atrás de um vidro embaçado.
"A Última Ceia" - a história de uma pintura
Na mais bela cidade de Milão - batizada pela UNESCO de cidade de Leonardo da Vinci, na antiga igreja de tijolos vermelhos, Santa Maria dela Grazia, encontra-se um dos afrescos mais famosos do mundo - pinturas, um antigo afresco de meados do século Século XV "A Última Ceia".
Leonardo da Vinci, A Última Ceia, 1495-1498(antes da restauração).
A imagem clássica, conhecida por todos os amantes da arte ao redor do mundo, costumava parecer tão deplorável.
"A última Ceia"(após restauração).
Vim para Milão em outubro de 2013, mas não pude ver com meus próprios olhos, pois demorei 2 semanas para me cadastrar em uma fila eletrônica em um site especial, que, claro, eu não conhecia.
Tive de me contentar com fotografias da própria igreja e da praça, e extrair todas as informações de sites locais e de jornais e revistas locais, de livros e catálogos de arte e da grande Internet.
Vi uma reprodução deste afresco na primeira infância, e como era uma criança “doméstica” que foi ensinada “desde o berço” ao belo e principalmente à arte clássica, formei uma certa imagem que carrego na minha memória até hoje, mas a nova edição desta imagem me agradou francamente.
A aparência do afresco tornou-se mais clara e as cores mais brilhantes, mas nenhuma mudança nas imagens e acréscimos óbvios são perceptíveis. O estilo não mudou e o afresco "refrescado e mais bonito". Esta é uma das melhores restaurações, na minha opinião.
Existem muitos exemplares desta obra, pois estava se deteriorando rapidamente e eu queria guardá-la para a posteridade, pelo menos na forma de cópia.
A Última Ceia, cópia de Giacomo Rafaeli, início do século XIX.
A cópia mais famosa de A Última Ceia, de um artista desconhecido do século XVII, é considerada a mais precisa.
O tamanho do afresco é de aproximadamente 460 x 880 cm, está localizado no refeitório do mosteiro, na parede posterior. O tema é tradicional para este tipo de instalações. A parede oposta do refeitório é coberta por um afresco de outro mestre; Leonardo também colocou a mão nisso. Anos de criação 1495-1498.
A pintura foi encomendada por Leonardo ao seu patrono, o duque Lodovico Sforza e à sua esposa Beatrice d'Este.
A pintura da igreja foi iniciada em 1495 (os esboços preliminares foram feitos ao longo de vários anos) e concluída em 1498; os trabalhos continuaram com interrupções para outras encomendas do mestre. A data de início das obras não é exacta, pois “os arquivos do mosteiro foram destruídos”.
Leonardo escreveu “A Última Ceia” em uma parede seca, e não em gesso molhado, então a pintura não é um afresco no verdadeiro sentido da palavra.
Um afresco não pode ser alterado enquanto está sendo pintado, e Leonardo decidiu cobrir a parede de pedra com uma camada de resina, gesso e mástique e depois pintar essa camada com têmpera. Devido ao método escolhido, a pintura começou a ruir poucos anos após o término da obra.
restauração de afrescos
Já em 1517, a tinta da pintura começou a descascar devido à umidade. Em 1556, o biógrafo Leonardo Vasari descreveu o mural como muito danificado e tão deteriorado que as figuras ficaram quase irreconhecíveis.
Em 1652, foi feito um portal através da pintura, posteriormente emparedado; ainda é visível no meio da base do mural. As primeiras cópias dão motivos para acreditar que os pés de Jesus estavam em uma posição que simbolizava a crucificação que se aproximava.
Em 1668, uma cortina foi pendurada sobre a pintura para proteção; em vez disso, bloqueou a evaporação da umidade da superfície e, quando a cortina foi aberta, arranhou a pintura descascada do afresco.
A primeira restauração foi realizada em 1726 por Michelangelo Belotti, que preencheu os espaços faltantes. Pintura a óleo, e então cobriu o afresco verniz.
Esta restauração não durou muito e outra foi realizada em 1770 por Giuseppe Mazza.
Mazza limpou o trabalho de Belotti e depois reescreveu completamente o mural: ele copiou todos os rostos, exceto três, e então foi forçado a parar de trabalhar devido à indignação pública.
Em 1796, as tropas francesas usaram o refeitório como arsenal; atiraram pedras na pintura e subiram em escadas para arrancar os olhos dos apóstolos.
Depois o refeitório foi usado como prisão.
Em 1821, Stefano Barezzi, conhecido por sua habilidade em remover afrescos das paredes com extremo cuidado, foi convidado a transferir a pintura para um local mais seguro; ele danificou gravemente a seção central antes de perceber que a obra de Leonardo não era um afresco. Barezzi tentou recolocar as áreas danificadas com cola. De 1901 a 1908, Luigi Cavenaghi foi o primeiro a realizar um estudo aprofundado da estrutura da pintura, e então Cavenaghi começou a esclarecê-la. Em 1924, Oreste Silvestri realizou novas limpezas e estabilizou algumas partes com gesso.
Durante a Segunda Guerra Mundial, em 15 de agosto de 1943, o refeitório foi bombardeado. Sacos de areia impediram que fragmentos de bombas atingissem o mural, mas a vibração poderia ter tido um efeito prejudicial.
Em 1951-1954, Mauro Pellicioli realizou outra restauração com desmatamento e estabilização.
No final da Segunda Guerra Mundial, A Última Ceia estava em tal estado de degradação que parecia que tanto a tinta quanto a cartilha estavam prestes a virar pó.
O Ministério das Belas Artes italiano fez uma última tentativa para salvar a pintura, percebendo que não tinha nada a perder em caso de fracasso e muito a ganhar em caso de sucesso.
O mestre restaurador Mauro Pellicioli embarcou em uma aventura de oito anos que exigiu que ele realizasse um trabalho sobrenaturalmente preciso e delicado. Para começar, Pellicioli fixou a camada de pintura na parede com a ajuda de um recém-inventado goma-laca, cera absolutamente pura.
Muitos especialistas nesta área não esperavam tanto sucesso.
De 1978 a 1999, sob a liderança de Pinin Brambilla Barchilon, foi realizado um extenso projeto de restauração, cujo objetivo era estabilizar permanentemente a pintura e eliminar os danos causados pela sujeira, poluição e restaurações inadequadas dos séculos XVIII e XIX. séculos. A restauração durou 21 anos.
Um grupo de restauradores liderado pela Signora Barchilon estabeleceu dois objetivos. A primeira era bastante tradicional - fazer todo o possível para evitar uma maior destruição da Última Ceia. A segunda foi limpar o afresco de numerosas camadas de diferentes épocas, deixando na parede do antigo refeitório do mosteiro de Santa Maria delle Grazie apenas o que foi escrito pelo próprio Leonardo da Vinci.
Antes de iniciar os trabalhos de restauro propriamente ditos, o afresco foi submetido a um exame minucioso utilizando as mais modernas tecnologias. A alvenaria da parede foi submetida ao mesmo exame minucioso. Com a ajuda de microscópios superpoderosos, máquinas de raios X e tecnologia de reflectoscopia infravermelha, cada milímetro da obra-prima de Leonardo da Vinci foi exaustivamente estudado.
A Última Ceia também foi escrupulosamente examinada por modernas análises químicas para determinar a composição das tintas e vernizes que compunham a camada de pintura do afresco.
O trabalho de restauração foi realizado com extremo cuidado. Em seu livro, a Signora Barchilon lembrou que o resultado do trabalho de seu grupo por um dia, às vezes, era possível limpar um fragmento de um afresco com uma área de selo postal.
O grupo de trabalho do Signor Barchilon confirmou a conclusão de Mauro Pellicioli de que no máximo 30% do trabalho de Leonardo na parede do antigo refeitório do mosteiro de Santa Maria delle Grazie permaneceu.
E se deixar tudo como está, o afresco parecerá uma espécie de colcha de retalhos com uma massa de fragmentos vazios, cuja pintura original se perdeu completamente ao longo dos últimos séculos.
Ao final, tomou-se a seguinte decisão: repintar os fragmentos do afresco, que não podem ser restaurados, com aquarelas de cores mais suaves, assim, sem induzir o público em erro, fazê-lo compreender que estes, mais escuros, os fragmentos não são a obra original de Leonardo da Vinci.
Quando, em 28 de maio de 1999, a pintura foi aberta à visitação dos visitantes, naturalmente, surgiram imediatamente disputas acirradas sobre a forte mudança de cores, tons e até ovais dos rostos de diversas figuras retratadas no afresco.
O crítico de arte americano Jeffrey Morsburg confundiu o público com a pergunta: “Hoje só podemos adivinhar como era originalmente o trabalho de Leonardo. Sim, através dos esforços da Signora Brambilla e dos seus colegas, o afresco foi limpo dos resultados de todos os esforços de restauração anteriores. A signora Brambilla conta que durante as obras de restauro descobriu-se que apenas 30% das pinturas preservadas na parede do mosteiro pertencem à mão de Leonardo. Mas a questão é: o que ela quer dizer com esses trinta por cento? 30% da área total da camada de tinta antes da restauração, ou 30% do que sobrou na parede após a limpeza da pintura? Mas, de qualquer forma, é fato que a signora Brambilla encontrou apenas um leve traço da mão do mestre em alguns fragmentos do afresco.
Se nos guiarmos pela segunda consideração de Morsburg, verifica-se que do plano original de Leonardo da Vinci, na "Última Ceia" de hoje, após inúmeras reescritas, correções e restaurações, é completamente só poderia haver algo... 9% da camada de tinta.
E aqui surge a pergunta: qual foi, de fato, a obra-prima de Leonardo?
Embora a impressão geral da restauração seja muito positiva, se você olhar de perto, há algum cuidado excessivo no desenho ou desenho dos detalhes.
Claro, é claro que uma restauração mais precisa não poderia ter sido, e não apenas pelas inúmeras restaurações anteriores, mas também pelo fato de que, junto com Leonardo, os detalhes do afresco foram escritos por seus alunos, e o mestre ele mesmo, como em outras obras, pintou rostos e mãos, portanto, agora é difícil dizer que parte da obra do próprio mestre foi preservada e chegou até nós em sua forma original.
Pessoalmente penso que o restauro com a reconstrução foi feito demasiado literalmente, expondo o que o artista pintou com mais delicadeza e ternura. Acredito que até a paleta de cores da imagem foi quebrada, as roupas dos apóstolos e do próprio Cristo mudaram de cor. Tudo começou a parecer uma litografia moderna, uma espécie de falsificação de uma obra antiga.
Mas os restauradores locais insistem que estão certos, dizendo que devido ao gesso velho úmido e fungos putrefativos, fuligem de velas e má ventilação da igreja, a camada de tinta foi completamente destruída.
O afresco, grosso modo, “flutuou”, borrou e teria sido completamente perdido para a Humanidade se não tivesse sido totalmente restaurado.
As cores mudaram ao longo do tempo devido aos processos de putrefação na camada de tinta, e a clareza das linhas desapareceu devido à umidade e aos vapores...
Muito provavelmente, tudo isso é verdade, mas acredito que a reconstrução do afresco deveria ter sido mais suave.
Embora, talvez esta seja minha opinião subjetiva e os restauradores estejam absolutamente certos...
Mas isso é uma questão de gosto e percepção individual de cada pessoa, e a essência da minha história sobre o afresco não é nada...
Personagens
Os apóstolos são representados em grupos de três, localizados em torno da figura de Cristo sentado no centro.
Grupos de apóstolos, da esquerda para a direita: Bartolomeu, Jacob Alfeev e Andrei; Judas Iscariotes (com rosto moreno e roupas azul esverdeadas no original, e com roupas azuis e marrons na nova versão), Pedro e João (João segundo a versão não tradicional é Maria Madalena - a esposa e discípula de Jesus), Tomé (Judas Tadeu), Tiago Zebedeu e Filipe, Mateus, Judas Tadeu (Tomé) e Simão.
No século XIX, foram encontrados cadernos de Leonardo da Vinci com os nomes dos apóstolos; antes disso, apenas Judas, Pedro, João e Cristo haviam sido identificados com certeza. Qualquer pessoa que tenha estado no refeitório antes da Última Ceia pode confirmar que parece uma extensão ilusória do espaço real.
CABEÇA DO APÓSTOLO BARFOLOMEY. 1495-1497.
No desenho preparatório da cabeça do Apóstolo Bartolomeu (no Evangelho de João - Natanael) encontram semelhanças com os autorretratos de Leonardo. Há uma opinião, entretanto, de que Leonardo retratou o apóstolo Mateus aqui.
É bastante óbvio que outros rostos e personagens foram “eliminados” da natureza. Evidência indireta podem ser as palavras de Leonardo, registradas por seu contemporâneo, que viu o afresco, cuja fama se espalhou pelo mundo, e conversou com o artista em Amboise em 1517: “Seus personagens são retratos reais da maioria das pessoas de da Corte da época, bem como milaneses de status diverso”.
Leonardo, aparentemente, não deixou um único autorretrato que pudesse ser atribuído a ele de forma inequívoca. Os cientistas há muito duvidam que o famoso autorretrato sanguíneo de Leonardo (tradicionalmente datado de 1515), retratando-o na velhice, o retrate.
Acredita-se que talvez este seja apenas um estudo da cabeça do Apóstolo Judas Tadeu (ou Tomé) para a Última Ceia. No entanto, o próprio Leonardo não repetiu detalhadamente os planos de seus antecessores ou de seus contemporâneos.
APÓSTOLOS JUDAS (TADEU), SIMÃO ZILOT. Fragmento do afresco "A Última Ceia".
A imagem de Leonardo ainda causa polêmica e interesse de cientistas de todo o mundo.
Como realmente se parecia esse artista, único para sua época, e o grande inventor, o misterioso maçom, o mestre da sociedade secreta e o maior engenheiro da época, ninguém sabe, e o governo da França, em cujo território ele viveu os últimos anos de sua vida e morreu, e onde fica sua cripta.
O mesmo “autorretrato” espelhado na imagem da Mona Lisa. 100% de correspondência. Os milagres e segredos do mestre não foram resolvidos.
Acredita-se que o afresco retrata o momento em que Jesus pronuncia as palavras de que um dos apóstolos o trairá (“quando comiam, disse: Em verdade vos digo que um de vós me trairá” *), e o reação de cada um deles às suas palavras.
Como em outras imagens da última ceia daquela época, Leonardo coloca os que estão sentados à mesa de um lado dela para que o espectador veja seus rostos.
Judas segura uma pequena bolsa na mão, talvez denotando as mesmas 30 moedas que recebeu por trair Jesus, ou a bolsa é uma alusão ao seu papel entre os doze apóstolos como seu tesoureiro.
Ele foi o único que colocou o cotovelo na mesa. A faca na mão de Pedro, apontada para longe de Cristo, pode remeter o espectador à cena no Jardim do Getsêmani durante a detenção de Cristo pelos guardas romanos.
O gesto de Jesus pode ser interpretado de duas maneiras. De acordo com a Bíblia, Jesus prediz que seu traidor estenderá a mão para comer ao mesmo tempo que ele.
Vemos que Judas estende a mão para pegar o prato, sem perceber que Jesus também lhe estende a mão direita. Ao mesmo tempo, Jesus aponta para o pão e o vinho, que simbolizam o corpo sem pecado e o sangue derramado, respectivamente.
A leitura tradicional dos personagens, baseada em seus laços familiares e na verdade histórica. 
A figura de Jesus está localizada e iluminada de tal forma que a atenção do espectador se concentra principalmente nele.
A cabeça de Jesus está no ponto de fuga de todas as linhas de perspectiva.
A pintura contém repetidas referências ao número três: os apóstolos estão sentados em grupos de três; atrás de Jesus há três janelas; os contornos da figura de Cristo lembram um triângulo.
A luz que ilumina toda a cena não vem das janelas pintadas no verso, mas vem da esquerda, como a luz real da janela da parede esquerda.
Em muitos lugares da pintura, a proporção áurea ocorre; por exemplo, onde Jesus e João, que está à sua direita, colocam as mãos, a tela é dividida nesta proporção.
João ou Maria Madalena
O fato de o discípulo favorito do Salvador ser o jovem apóstolo João é evidenciado apenas por ele mesmo, nenhuma outra evidência histórica sobreviveu. Mas sobre o amor de Jesus por Maria Madalena testemunha a si mesmo John(como Maria de Betânia) e ela mesma Maria, E Philip(em seus evangelhos apócrifos).
E diz que ele a amava mais do que todos os apóstolos juntos o que irritou francamente todos os discípulos, e especialmente Pedro.
Maria acompanhava constantemente Jesus. Estando “possuída”, como era então chamada essa condição, e ainda não estabelecida e não confirmada por um transtorno mental, ela precisava constantemente de sua proteção e ajuda, que ele lhe prestava, “expulsando demônios”. Posso apenas presumir, mas não afirmar, que Maria possa ser uma ninfomaníaca, daí a opinião sobre ela como uma “prostituta”, mas é claro que não pode haver nenhuma evidência disso.
Esboço para John. Modelo Salai.
João Batista. Modelo Salai.
A julgar pelos textos inteligíveis dos restos do seu evangelho, bem como por muitos fragmentos do evangelho de João, em cuja escrita, segundo se acredita, ela participou ativamente, tudo estava em ordem com a cabeça de Maria.
Mas a sua necessidade sexual, aparentemente, era constantemente insatisfeita. Foi isso que a fez na época prostituta. Durante este período, ela aparentemente levou um estilo de vida luxuoso, como evidenciado pelo seu incenso, cujo valor em apenas um recipiente que ela carregava era igual a salário anual trabalhador ou soldado contratado.
Jesus lidou com seus "demônios", mas sempre só por um tempo tempo. Esta é outra evidência da natureza sexual da “obsessão” de Maria.
“... o companheiro do Filho é Maria Madalena. Senhor amava Mary mais do que todos os alunos, E Ele muitas vezes beijou seus lábios". (Filipe, 55).
Vale então a pena duvidar disso à mesa(quando conseguiram bater nele) Maria sempre sentou ao lado com o próprio Jesus?
Eles eram casal amoroso normal, que tanto a mãe de Jesus quanto sua tia Maria Kleopova conheciam. (Caso contrário, Madalena não poderia estar no círculo familiar no momento da crucificação de Cristo e do seu sepultamento, o que significa que ela vivia com eles, ou pelo menos “era considerada parte da família”).
Tudo isso, é claro, era do conhecimento de Leonardo da Vinci. E em sua pintura ele corajosamente dispõe Maria Madalena no lugar mais honroso da mesa - no centro, ao lado de Jesus, à sua direita.
Como tal honra poderia ser alcançada por um jovem, quase como um menino, John Zevedeev?
Talvez apenas uma pessoa cega possa deixar de ver que o chamado (oficialmente) João tem uma visão puramente feminino, linda e tímida face, moderadamente idealizado pelo artista:
Em uma cópia tardia da pintura Giacomo Refaeli em vez de um jovem - John, uma "mulher florescente" de meia-idade é retratada.
Preste atenção especial ao rosto da mulher e ao broche na gola, à rica decoração da gola e à pele branca e delicada, esta é uma mulher loira madura.
Os braços desproporcionalmente alongados de Maria provavelmente se devem ao fato de terem sido desenhados por um dos alunos de Leonardo (além disso, consideram que representam as mãos de um jovem).
O ombro esquerdo obviamente cortado de Maria, aparentemente, adquiriu essa aparência após uma das restaurações anteriores.
Sentado ao lado de Maria Mateus E Philip estão aqui, tanto quanto possível, aliás. Foram eles que posteriormente ajudaram Maria no seu confronto com alguns dos apóstolos após a crucificação de Cristo e a sua ascensão ao céu.
Há uma citação do apelo de Mateus a Pedro: “... se o Salvador a considerasse digna, quem é você rejeitá-la?)
Modelos para os apóstolos e Cristo
Presumivelmente, nem todos os modelos hoje podemos nomear, mas alguns deles são bastante reconhecíveis.
Salai(Salaino; italiano Salai, Il Salaino - "diabo"; anos de vida 1480-19 de janeiro de 1524), nome verdadeiro Gian Giacomo Caprotti da Oreno (Gian Giacomo Caprotti da Oreno) - aluno de Leonardo da Vinci, seu modelo favorito, que foi um modelo para personagens femininos e jovens masculinos, pois tinha uma aparência androgênica única.
O segundo de dois jovens, além de Francesco Melzi, com quem o artista manteve uma relação de longa data - mais de 25 anos - e, talvez, íntima, a julgar pelos esboços do mestre, onde indicou claramente o seu masculinidade "rebelde".
Há uma versão marginal de que Salai, vestido com vestido de mulher, era o modelo da Mona Lisa, mas também há uma versão de que era o próprio mestre.
Esse rosto aparece em muitas das pinturas do mestre.
Salai também foi modelo para o apóstolo Filipe. 
Muito provavelmente, Salai posou para a imagem de João (Maria Madalena).
Segundo dados não verificados, o próprio mestre se retratou na forma de um velho - um apóstolo, o penúltimo à esquerda de Cristo ou, se você olhar a foto, o penúltimo à direita.
Imagens de Jesus e Judas.
Quando Leonardo da Vinci escreveu A Última Ceia, atribuiu particular importância a duas figuras: Cristo e Judas.
Ele estava procurando babás para eles há muito tempo. Finalmente, conseguiu encontrar um modelo para a imagem de Cristo entre os jovens coristas da Catedral Duomo de Milão.
Esboço para um afresco. 
A CABEÇA DE CRISTO. Fragmento do afresco "A Última Ceia".
Leonardo não conseguiu escolher uma babá para Judas durante três ou quatro anos. Mas um dia ele se deparou com um bêbado caído na sarjeta da rua. Ele era um jovem com um rosto cruel muito característico, envelhecido pela embriaguez desenfreada.
Leonardo ficou impressionado com sua aparência e convidou o bêbado para uma taverna, onde imediatamente começou a escrever para Judas dele. Quando o bêbado recobrou o juízo, disse ao artista que já havia posado para ele uma vez. Foi há alguns anos, quando ele era jovem e bonito, e cantava no coral da igreja, Leonardo escreveu Cristo dele.
Esboços de Judas.
Não sei o que o mestre sentiu então, mas ele pintou dele aquela imagem de Judas, e descobriu-se que a imagem do traidor e da vítima foi incorporada pela mesma pessoa. Alegoricamente, ele se tornou a personificação tanto da Luz Universal quanto da Escuridão Universal.
Não importa quantos anos passem, o tema do Bem e do Mal, da abnegação e da traição sempre existirá na Terra até que nossas almas aprendam a perfeição e o amor ao próximo, como Jesus ensinou.
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Yaksina Natalya Alexandrovna
Análise comparativa de pinturas combinadas
história bíblica da Última Ceia
Há um grande número de pinturas, afrescos, gravuras, unidos pela história bíblica comum da Última Ceia. Considere e analise diversas imagens pertencentes a diferentes épocas e movimentos artísticos.
Leonardo da Vinci "A Última Ceia" (1495-1498)
Esta imagem refere-se à direção do Renascimento. Dimensões da imagem - aproximadamente 460 × 880 cm, está em Mosteiro dominicano V . A pintura não pode ser considerada inequivocamente um afresco, uma vez que Da Vinci a pintou em gesso seco. O artista cobriu a parede com uma mistura de resina, mástique e gabs, e pintou esse revestimento com têmpera. Infelizmente, isso levou à fragilidade da imagem - ela começou a desmoronar alguns anos após sua criação.
Cristo e seus doze discípulos estão sentados à mesa. Eles estão todos localizados no mesmo lado da mesa para que o espectador possa ver seus rostos. Uma longa mesa retangular coberta com uma toalha branca simboliza o altar sacrificial, onde a vítima é Jesus Cristo. Existem quatro retângulos escuros nas paredes direita e esquerda, atrás das três janelas retangulares - retângulos dispostos verticalmente simbolizam o modelo do mundo. Todos estes retângulos em perspectiva convergem para a figura central: um triângulo equilátero da figura de Cristo, inscrito no retângulo da janela iluminada. Um triângulo inscrito num retângulo significa o divino no humano, o espiritual no material, o divino na terra. Nesta obra, o triângulo inscrito em um retângulo simboliza a divindade de Jesus Cristo e sua futura transformação. O símbolo do círculo também ganha significado na imagem - pratos e pão sobre uma mesa-altar branca, a primeira Eucaristia, o sangue e a carne de Cristo.
Das janelas você pode ver a montanha e as árvores, o que remete aos símbolos da Montanha do Mundo e da Árvore do Mundo. Mas no Cristianismo eles são reinterpretados como Gólgota e a cruz, lembrando ao espectador a crucificação, o sacrifício divino em nome da expiação pelos pecados da humanidade.
A luz que ilumina toda a cena não vem das janelas pintadas atrás, mas vem da esquerda, como a luz real da janela da parede esquerda do refeitório do mosteiro. A figura de Jesus é localizada e iluminada de forma que a atenção do observador seja atraída principalmente para ele. A cabeça de Jesus está no ponto de fuga de todas as linhas de perspectiva. Tal iluminação não é acidental - indica a santidade de Cristo, sua essência divina. O artista também transmite a profundidade, a tridimensionalidade do espaço.
Na composição de cores, as cores branca e vermelha chamam imediatamente a atenção. A cor branca da toalha de mesa na mesa do altar sacrificial simboliza santidade, divindade, pureza, purificação dos pecados. A cor vermelha presente nas roupas de Jesus e de vários discípulos simboliza o sangue sacrificial de Cristo e a ressurreição vindoura. Este símbolo é fortalecido pelo fluxo de sangue que jorra do pulso de Jesus. Preto, vermelho, amarelo, branco, azul presentes na composição de cores da Última Ceia estão ligados à vertical do fogo sagrado e demonstram a ideia da ascensão, a próxima ascensão de Cristo.
Jesus está localizado no centro, em ambos os lados dele os discípulos sentam-se em grupos de três - o simbolismo do número sagrado "3". O rosto de Jesus, os braços estendidos para as pessoas, as palmas abertas ao espectador estão repletos de sábia mansidão, tristeza, humildade, prontidão para se sacrificar para expiar os pecados da humanidade. A imagem capta o momento em que Jesus informa aos discípulos que um deles O trairá. Cada um dos apóstolos reagiu de maneira diferente às Suas palavras. Bartolomeu levantou-se resolutamente e está pronto para agir. Jacob Alfeev e Andrey, levantando as palmas das mãos à altura do peito, como se perguntassem quem é o traidor. Ao mesmo tempo, Jacob Alfeev toca o ombro de Peter, segurando uma faca e pronto para matar o traidor - Jacob está pronto para apoiar Peter. John cruzou os dedos, apoiou a cabeça no ombro e baixou os olhos, expressando uma angústia mental à beira do desespero. Foma levanta o dedo indicador, não acreditando e negando. Tiago Zebedeu abriu os braços horrorizado e olhou fixamente para o sangue que jorrava do pulso de Cristo. Filipe pressionou suplicantemente as mãos contra o peito, como se assegurasse a Jesus sua inocência na traição. Mateus, Judas Tadeu e Simão estendem as mãos abertas para Cristo, expressando fé em suas palavras, e ao mesmo tempo se voltam e conferem, tentando descobrir o traidor. Judas Iscariotes voltou-se para Jesus e olhou para ele com sombria determinação e confiança em sua retidão. Ele segura um saco com trinta moedas de prata na mão. Devido a uma curva acentuada para a esquerda, ele parece estar sentado mais baixo do que todos os outros, uma sombra cai sobre ele. Tudo isso o expõe como um traidor.
Andrea del Castagno "A Última Ceia" (1447, Florença)
A imagem de Andrea del Castagna pertence ao início do Renascimento. É feito na técnica de afresco.
Na composição, o símbolo de um quadrado e de um retângulo adquire um significado especial. O artista delineou a tridimensionalidade da imagem, mas prevalece a bidimensionalidade, uma imagem plana. Jesus e seus discípulos estão sentados à mesa para que o espectador possa ver seus rostos. Mas Judas Iscariotes se opõe a eles: só ele se senta do lado oposto da mesa, virando-se de perfil. A mesa retangular branca simboliza o altar sacrificial para o sacrifício de Jesus. As tigelas e o pão mal estão marcados na mesa. Atrás das costas dos sentados há oito quadrados - um quadrado, reforçado por um duplo número quatro, simboliza o modelo do mundo. Pedestais quadrados enormes e pesados estão localizados nos cantos inferiores direito e esquerdo, e criaturas fantásticas com cabeças humanas, patas de animais, asas de pássaros e longas caudas escamosas são colocadas neles. Talvez enormes pedestais quadrados simbolizem a terra, o mundo abaixo, e criaturas fantásticas simbolizem o céu, o mundo montanhoso. O ornamento na parte superior da imagem, bem acima da cabeça dos sentados, composto por duas ondas entrelaçadas, pode ser visto como muitos círculos com seu simbolismo de divindade.
O simbolismo da iluminação é extremamente claro: os rostos de Jesus Cristo e dos apóstolos estão bem iluminados, a luz parece cair do observador. Judas Iscariotes, sentado no lado oposto da mesa, vira-se contra a luz, destaca-se como uma sombra sombria. É isolado não apenas pela composição e iluminação: halos são desenhados sobre as cabeças de Jesus e dos apóstolos, mas não há nenhum sobre a cabeça de Judas Iscariotes. Assim, traça-se claramente o paralelo “luz - santidade”: Jesus e seus apóstolos são iluminados pela luz divina, e o traidor Judas Iscariotes é privado dela.
A composição de cores é acentuada com branco, vermelho e azul. O branco simboliza divindade, pureza, santidade, purificação dos pecados. O vermelho simboliza o sangue sacrificial de Cristo e a ressurreição vindoura. O azul é um símbolo da separação sobrenatural e divina do espírito do corpo. Combinadas, essas cores indicam o sacrifício de Jesus Cristo para expiar os pecados de toda a humanidade e sua subsequente ressurreição. Judas Iscariotes é destacado com cores infernais roxas e lilases, indicando sua possessão por Satanás. O esquema de cores do afresco contém as cores do fogo sagrado, demonstrando a ideia de ascensão como a vindoura ressurreição e ascensão de Cristo: preto, vermelho, amarelo, branco, azul.
A relação dos personagens do afresco é escrita da seguinte forma. A figura central da imagem é o Cristo manso e sábio, que cruzou os dedos e se dirige aos seus discípulos. Os apóstolos o ouvem. John martiricamente deixou cair a cabeça sobre a mesa. Pedro segura uma faca na mão, o que indica sua disposição para punir o traidor, e também prevê acontecimentos durante sua prisão, quando tentou defender Cristo com uma arma nas mãos. Os gestos dos outros apóstolos podem ser classificados em três grupos: pincéis dobrados em oração; mãos estendidas com as palmas abertas para Cristo; gesto de avaliação cuidadosa "mão no queixo". Judas Iscariotes se opõe a todos os personagens do afresco e, em primeiro lugar, a Cristo. Seu olhar, cheio de determinação sombria, está voltado para baixo e parece voltado para dentro. Ele está pronto para cometer uma traição terrível e tem certeza de que está certo.
Jacopo Tintoretto "A Última Ceia" 1594. Igreja de San Giorgio Maggiore, Veneza.)
A imagem de Jacopo Tintoretto pode ser atribuída à direção do maneirismo.
O tamanho da pintura é 365 x 568 cm, óleo sobre tela.
A solução composicional espacial é muito enérgica e expressiva. O foco do espectador é uma longa mesa retangular, que vai diagonalmente até as profundezas da imagem. A mesa retangular branca simboliza o altar sacrificial, pratos redondos com pão e garrafas esféricas, graças ao simbolismo do círculo, lembram a divindade, o sacramento da Eucaristia, o sangue e a carne de Cristo. Jesus Cristo e os apóstolos estão sentados à mesa, todos de um lado e de frente para o público, mas Judas Iscariotes está sentado sozinho no lado oposto. Um triângulo é construído acima da mesa, formado por raios de luz que saem de uma enorme luminária. Duas línguas de chama ao longo das bordas da lâmpada lembram asas, os raios de luz se transformam em figuras transparentes de anjos.Um triângulo combinado com um retângulo - divino e humano, espiritual e material, divino e terreno. Ao redor da mesa, a alguma distância, estão figuras de personagens secundários - criadas e empregadas carregando utensílios de cozinha e mesa, um cachorro debaixo da mesa, um gato subindo em uma cesta de peixes. Graças à rica composição espacial e ao pleno movimento das poses dos personagens secundários, a imagem é muito dinâmica.
A composição de luz e sombra da pintura é muito interessante. Como mencionado acima, a luz jorra da lâmpada no canto superior direito, formando um triângulo e se transformando em figuras de anjos. A segunda fonte brilhante de luz é um halo ao redor da cabeça de Jesus, inundando de luz a parte central da imagem. Pequenos halos iluminam os rostos de todos os apóstolos - todos exceto Judas Iscariotes, que é desprovido de halo, sentado contra a luz e imerso nas sombras. A lâmpada simboliza a luz divina, a luz da auréola de Jesus é a luz do Seu ensinamento divino, e Judas, no contexto desta composição de claro-escuro, torna-se em todos os sentidos um oponente da luz divina e da luz do ensinamento divino. Servos e criadas agitados, que estão nos cantos da imagem, encontram-se no crepúsculo, os criados no primeiro plano iluminado são separados da mesa por uma sombra profunda - assim, no simbolismo do claro-escuro, o divino, o sagrado é separado do cotidiano, ordinário. Apenas dois servos que estão diretamente atrás das costas dos apóstolos estão fortemente iluminados - eles congelaram e contemplaram com reverência o sacramento da Eucaristia, ouviram Cristo - assim, no simbolismo do claro-escuro é mostrado como a luz do ensinamento divino transforma as pessoas.
As cores principais da composição de cores da pintura são branco, vermelho, azul e dourado. O branco simboliza divindade, pureza, santidade, purificação dos pecados. O vermelho simboliza o sangue sacrificial de Cristo e a ressurreição vindoura. O azul é um símbolo da separação sobrenatural e divina do espírito do corpo. A cor dourada dos halos no simbolismo cristão é uma emanação da essência divina. Combinadas, essas cores indicam a divindade de Jesus Cristo, seu sacrifício vindouro para expiar os pecados de toda a humanidade e sua subsequente ressurreição. Na solução colorida, pode-se detectar o espectro do fogo sagrado, demonstrando a ideia de ascensão como a vindoura ressurreição e ascensão de Cristo: preto, vermelho, dourado, branco, azul.
Na gravura, Jesus Cristo é o personagem central. A imagem capta o momento da primeira Eucaristia. Iluminado por raios de luz, Cristo é cheio de bondade, mansidão e sabedoria. Ele dá a comunhão aos seus discípulos, um por um. Os apóstolos estão atentos e concentrados, as suas posturas são contidas, os seus olhos estão voltados para o Mestre. Apenas dois apóstolos estão meio voltados para Jesus. Um deles, entusiasmado e emocionado com o que está acontecendo, volta-se para os vizinhos. Outro, voltando-se para os vizinhos, abriu os braços transversalmente - o símbolo da cruz indica a iminente crucificação de Cristo, seu martírio pela expiação dos pecados da humanidade. Mas todos os apóstolos estão unidos no seu impulso, todos estão envolvidos no sacramento da primeira comunhão de Cristo. Todos - exceto o traidor Judas Iscariotes. Ele se opõe a Jesus e aos apóstolos, senta-se sombriamente à parte e não participa do que está acontecendo, está imerso em seus pensamentos negros.
El Greco ( Domenikos Theotokopoulos ) "A Última Ceia" (1557 - 1570, Veneza)
Uma pequena pintura a óleo de El Greco sobre placa de madeira não foi concluída pelo autor. Os pesquisadores consideram a obra de El Greco no contexto do Maneirismo ou o chamam de fundador do Barroco espanhol.
A parte principal da composição espacial é ocupada por uma grande mesa retangular, em torno da qual se situam Jesus Cristo e os apóstolos. Jesus está no centro, de frente para o espectador, os apóstolos sentam-se do mesmo lado da mesa que ele, bem como à direita e à esquerda, mas dão a impressão de unidade. Judas Iscariotes senta-se sozinho contra Cristo, de costas para o observador, virando-se bruscamente para Pedro, de modo que seu rosto fica visível de perfil. A perspectiva, o aparecimento da tridimensionalidade na imagem são apenas delineados - isso se deve à incompletude da obra do autor. À direita e à esquerda da mesa estão portas retangulares entreabertas, em uma delas você pode ver um personagem secundário (provavelmente um servo). Atrás de Jesus há um retângulo escuro de uma janela. A figura de Cristo forma um triângulo. Assim, o artista coloca no centro das atenções o conhecido símbolo de um triângulo inscrito em um retângulo - o divino no humano, o celestial no terreno, o espiritual no material. O retângulo branco da mesa é um símbolo do altar sacrificial, sobre o qual estão o pão e o vinho - a carne e o sangue de Cristo, e atrás do qual está o próprio Jesus como sacrifício pela expiação dos pecados da humanidade. Os retângulos escuros das portas e janelas, bem como os contrastantes quadrados escarlates e pretos e verdes dos ladrilhos, simbolizam o modelo do mundo terreno. As pesadas dobras do véu preto e verde sobre as cabeças dos que estão sentados lembram nuvens cúmulos e obviamente simbolizam o mundo montanhoso superior. A tigela redonda no centro da mesa diante de Cristo, graças ao simbolismo do círculo divino, recorda a sacralidade da primeira Eucaristia.
A composição de cores da pintura é dominada por diferentes tons de vermelho e dourado, branco e preto e verde. A cor branca da toalha de mesa realça o simbolismo do altar sacrificial, fala de santidade, pureza, purificação dos pecados. As roupas de Jesus e dos apóstolos são dominadas por escarlate, laranja, dourado, vermelho-rosado (apenas um dos apóstolos usa roupas verde-pretas). O vermelho e seus tons indicam o sangue sacrificial de Jesus Cristo, bem como a vinda da ressurreição dos mortos. O ouro no simbolismo cristão é uma emanação da essência divina. O véu pesado no topo da imagem parece uma mancha preta e verde contrastante. A cor verde aqui carrega o simbolismo dos segredos divinos, e a cor preta está associada ao simbolismo da morte e do submundo, onde Jesus descerá após a crucificação. Os ladrilhos são em cores escarlate e preto-verde contrastantes, o que é percebido como uma justaposição do simbolismo do sangue sacrificial e da ressurreição e do mistério divino e da morte. A figura de Judas Iscariotes é esculpida não apenas espacialmente, mas também coloristicamente: suas roupas pretas e verdes destacam-se nitidamente contra o fundo de uma toalha de mesa branca, entrando em conflito de cores com as roupas de Jesus e dos apóstolos.
A composição luz-sombra potencializa ainda mais a alienação de Judas Iscariotes em relação ao restante dos personagens, seu lugar isolado. A luz cai como se fosse do lado do espectador, iluminando intensamente aqueles reunidos ao redor da mesa. O halo acima da cabeça de Jesus exala uma luz brilhante, especialmente perceptível contra o fundo de uma abertura escura de janela. Mas Judas Iscariotes está sentado de costas para a luz, contra a luz, o que enfatiza a sua hostilidade para com a luz divina de Jesus. Além disso, Judas Iscariotes lança uma grande sombra, que enfatiza sua infernalidade, obsessão pelo impuro.
A relação Jesus-Apóstolos-Judas Iscariotes está claramente marcada. O momento é capturado quando Cristo fala aos discípulos sobre o traidor. Os apóstolos estão entusiasmados e confusos, ou seus olhos estão voltados indagativamente para Jesus, ou eles estão abaixados de dor. Seus gestos contidos com as mãos expressam um apelo (palmas abertas abertas) ou justificativa e garantia de não envolvimento na traição (palmas pressionadas contra o peito). Só o olhar aberto de Pedro e os seus braços estendidos expressam determinação; uma faca é visível ao lado dele - Peter está pronto para punir o traidor. A postura tensa de Judas Iscariotes expressa seu medo e prontidão para fugir da Última Ceia: seu corpo está afastado de Pedro, e seu rosto está voltado bruscamente para ele, seus olhos estão cheios de horror, seus braços estendidos empurram para fora da mesa e o assento. O seu aparente medo de Pedro é ainda mais impressionante do que o seu conflito com Jesus.
Peter Paul Rubens "A Última Ceia" (1632)
A obra de Peter Paul Rubens pertence à direção barroca. Dimensões desta pintura: 304 x 250 cm É feita em óleo sobre painel.
A parte central da imagem é ocupada por uma mesa em torno da qual estão Jesus (no centro) e os apóstolos. As figuras sentadas correram tanto para Cristo em um único impulso que formaram um círculo. O círculo, simbolizando a divindade, chama a atenção para o sacramento da Eucaristia retratado na imagem. Mas esse círculo é quebrado por Judas Iscariotes, que se afastou do que está acontecendo ao redor de Cristo e olha com tristeza para o espectador. A mesa na imagem está virada para que o observador possa ver o triângulo voltado para ela no topo. A imagem repete repetidamente o triângulo: as figuras de Jesus, o apóstolo em primeiro plano de costas para o observador, Judas Iscariotes. O triângulo é um símbolo da oposição da ordem mundial, as oposições binárias de espírito e matéria, terra e céu. No centro da mesa diante de Jesus é colocado um copo de vinho - o sangue de Cristo, nas mãos de Jesus está um pão redondo, graças ao simbolismo do círculo, que lembra a divindade da carne de Cristo. Acima das cabeças dos personagens há um pesado dossel preto, que lembra nuvens cúmulos e, aparentemente, simbolizando o mundo celestial. No lado esquerdo da imagem há uma coluna baixa sobre a qual está um livro iluminado por duas velas. O livro lembra a Bíblia. Ao longe avista-se o frontão do edifício com colunas. As colunas aqui simbolizam o desejo pelo céu, e velas altas acesas - o desejo pela luz divina.
Na composição de cores, entre os numerosos tons de marrom (chão, paredes, colunas, vestes dos apóstolos), três manchas se destacam: uma toalha de mesa branca, uma capa vermelha de Cristo e uma camisa azul-preta de Judas. A toalha de mesa branca denota o simbolismo da mesa como altar sacrificial com a primeira comunhão e Cristo sentado - o sacrifício, indica santidade, purificação dos pecados. O véu vermelho de Jesus é um símbolo de seu sangue sacrificial e da ressurreição vindoura. O manto negro de Judas Iscariotes simboliza o seu terrível segredo, a ameaça de morte de Cristo, a proximidade da sua própria morte e a ligação com o submundo, onde Jesus descerá e onde Judas deverá ficar para sempre.
O simbolismo da composição em preto e branco é claramente lido. O acento luminoso principal é um raio de luz divina que desce da parte superior central da composição e ilumina intensamente Jesus, o pão que ele abençoa - a carne de Cristo - e os rostos dos apóstolos voltados para ele. O segundo acento é uma auréola sobre a cabeça de Jesus, simbolizando a luz dos seus ensinamentos divinos. O terceiro acento são duas velas acesas iluminando o livro, o que mais uma vez traz à mente a Bíblia - Sagrada Escritura. Judas se afasta da luz, ele é contra a luz divina, contra o ensinamento divino, contra Cristo.
As relações dos personagens nas pinturas são construídas da seguinte forma. Jesus é a figura central, atraindo a atenção do espectador. Todos os apóstolos olharam para ele em uníssono. Eles são surpreendentemente harmoniosos, unidos em seu impulso sincero. Não é por acaso que os apóstolos formam um círculo com Jesus. Judas rompe o círculo divino ao afastar-se de Cristo. Ele olha sombriamente e carrancudo para o espectador, a mão de apoio cobre a boca, como se o forçasse a guardar um segredo terrível. Há um cachorro sob seus pés. Pisando um cachorro, criatura fiel ao homem, ele atropela simbolicamente a lealdade ao seu professor. Judas se opõe a Jesus e aos apóstolos por meio da composição espacial, da cor, do claro-escuro, do simbolismo.
Nicolas Poussin "A Última Ceia" » 1640, ( Castelo Belvoir, Grantham, Reino Unido)
A obra de Nicolas Poussin costuma ser atribuída à direção do classicismo. Esta pintura é feita em óleo sobre tela.
Uma mesa e uma cama com Cristo reclinado e os apóstolos são colocados no terço inferior da imagem. A mesa retangular, coberta com uma toalha branca, simboliza o altar sacrificial, sobre o qual são colocados o pão e o vinho - o sangue e a carne de Cristo, e no centro do qual está sentado o próprio Jesus. Jesus está de frente para o espectador, os apóstolos estão de perfil, com os olhos voltados para o Mestre. A atenção do espectador é atraída pela figura central de Cristo, que segura uma taça de vinho na mão esquerda e faz o sinal da cruz com a direita. Diante de Jesus, no centro da mesa, está um prato redondo com pão, e o simbolismo do círculo enfatiza a santidade da primeira comunhão dos apóstolos. A figura de Jesus forma um triângulo inscrito no retângulo escuro da janela - isto simboliza o divino no humano, o celestial no terreno, o espiritual no material. Vale ressaltar que a janela retangular é coroada por um semicírculo, e no interior do semicírculo a decoração é feita em forma de signo solar. Sobre ele está sobreposto um triângulo de uma luminária pendente com duas velas acesas. O semicírculo da janela, o signo solar, o triângulo da lâmpada - tudo isso forma um simbolismo reconhecível da esfera celeste, a luz divina. À direita há uma porta entreaberta, deixando entrar luz na sala; um personagem secundário está parado na porta - provavelmente um servo. Todos os apóstolos estão unidos por um impulso comum, a participação no sacramento da sagrada Eucaristia, exceto Judas Iscariotes. Situa-se na borda, na sombra, em postura de suspensão. Mais da metade da imagem é ocupada pelas paredes que sobem e pelo teto alto; colunas, arcos e abóbadas semicirculares são adivinhadas na iluminação crepuscular - símbolos de aspiração ao céu, símbolos de esferas divinas e superiores.
Dos vários tons de marrom acinzentado, sobressaem detalhes de cores vivas das roupas de Jesus e dos apóstolos. O olhar é atraído para o manto vermelho de Jesus - um símbolo do sangue sacrificial e da ressurreição vindoura. As cores azuis de suas roupas testemunham o mistério divino. A cor branca da toalha de mesa é um tanto atenuada, mas o simbolismo do branco é claramente lido - santidade, purificação dos pecados. As roupas dos apóstolos são dominadas pelos tons laranja, amarelo, dourado e azul. Judas Iscariotes está marcado em preto, indicando simbolicamente a morte e a conexão com o submundo. Ressalta-se a presença das cores do espectro do fogo divino: preto, vermelho, dourado, branco, azul - que encarna a ideia da ascensão, a futura ascensão de Jesus.
Várias fontes de luz podem ser distinguidas na composição. Na sala semi-escura, uma lâmpada acima da cabeça de Jesus ilumina intensamente seu rosto manso e suas mãos abençoadoras. Também ilumina os rostos dos apóstolos - apenas Judas permanece nas sombras, o que é simbólico. Todos são ofuscados pela luz divina - exceto o traidor Iscariotes. Um fluxo de luz entra pela porta entreaberta, permitindo ver o teto alto, colunas e arcos. Em frente à mesa há uma vela sobre um suporte retangular, cuja luz dispersa o crepúsculo na parte inferior do quadro, como se desse ao espectador um pedaço da luz divina dos ensinamentos de Jesus.
Jesus é a figura central entre os personagens da imagem. Os olhos dos apóstolos estão fixos nele, congelados em intensa atenção. John deixou cair a cabeça na mesa de dor. Judas Iscariotes se distancia de Cristo e dos apóstolos. Sua alienação é demonstrada por uma postura tensa e recolhida, pela cor preta das roupas, por uma sombra, por uma posição extrema entre os alunos.
William Blake "A Última Ceia" 1799)
A obra de William Blake é classificada pelos pesquisadores como uma direção romântica. A pintura em questão é feita em têmpera sobre tela e mede 30,5 x 48,2 cm.
No centro da composição está Jesus reclinado perto da mesa. Os apóstolos estão dispostos ao redor da mesa, formando um círculo quebrado por Judas Iscariotes. O círculo é um símbolo da divindade e não é por acaso que o traidor Iscariotes o quebrou. Jesus é colocado acima de todos os personagens, o brilho intenso de sua auréola ilumina todos os que estão reclinados à mesa - exceto Judas, que se virou contra a luz divina. Isto chama a atenção para a divindade, a santidade de Jesus e a baixeza do traidor Iscariotes. A mesa retangular é coberta por uma toalha branca, sobre ela estão tigelas redondas de vinho e bandejas de pão, no centro acima está Jesus - tudo isso se soma ao símbolo do altar sacrificial, da sagrada Eucaristia e do sacrifício de Cristo .
A composição de cores é dominada pelo branco, dourado e azul-azulado. O branco simboliza santidade, pureza, purificação dos pecados - portanto, as roupas de Jesus são brancas, enquanto a toalha da mesa do altar também é branca. O ouro no Cristianismo é uma emanação da essência divina. Azul-azul é um símbolo da vertical Divina. É também a cor do mistério divino. É surpreendente que na solução colorística não haja vermelho, simbolizando o sangue sacrificial de Cristo e a ressurreição vindoura. Jesus, os apóstolos, a mesa - tudo isso está escrito em branco puro e divino, azul-azul e dourado e se dobra em uma espécie de triângulo, onde no topo está a cabeça de Cristo brilhando com uma auréola. Este triângulo parece sobressair de um retângulo de fundo escuro e sombrio girando com diferentes tons de marrom, cinza e preto. Isto é lido como um símbolo do divino no humano, do celestial no terreno, do espiritual no material.
O simbolismo da composição do claro-escuro afirma a ideia do divino no humano, a luz do ensinamento divino e a resistência de Iscariotes à luz divina. A única fonte de luz na imagem é um halo brilhante acima da cabeça de Jesus, iluminando os apóstolos e a mesa com luz divina dourada, arrancando toda a assembleia da escuridão do fundo. Judas Iscariotes afasta-se do mundo, é contra a luz e contra Cristo, que revela nele um apóstata e um traidor.
No relacionamento dos personagens, a atenção está voltada principalmente para Cristo, seu rosto manso e mãos abençoadoras. Os apóstolos unanimemente fixaram os olhos em Jesus; as palmas da maioria deles estão cruzadas em oração, João mantém as mãos cruzadas (um símbolo da cruz como a vindoura crucificação de Jesus), dois inclinaram a cabeça em reverência. Somente Judas Iscariotes é estranho ao santo sacramento contínuo. Ele se virou, toda a sua atenção voltada para o saco de dinheiro em suas mãos. O artista separou Iscariotes de Jesus e dos apóstolos pela estrutura espacial, claro-escuro, simbolismo. Judas incorpora características básicas: ganância, interesse próprio, traição, alienação do sagrado, divino, sublime.
Ilya Repin "A Última Ceia" (1903)
A obra de Ilya Efimovich Repin pertence à direção do realismo. Esta pintura é feita em óleo sobre tela, suas dimensões são 63 por 104 cm.
A atenção do espectador é atraída principalmente pelo lado direito da imagem, onde Jesus em vestes brancas está sentado em primeiro plano, colocando a mão esquerda perto de uma tigela de vinho tinto. A mesa está atrás dele. Os apóstolos, juntamente com Cristo, formam um círculo. O retângulo branco da mesa simboliza o altar sacrificial, no qual já existem taças e pratos de ouro com vinho e pão como o sangue e a carne de Cristo, e perto do qual o próprio Jesus está sentado - um sacrifício sem pecado para a expiação dos pecados da humanidade . O simbolismo do círculo que reuniu os apóstolos indica a escolha e a santidade de seu Deus. Em frente à mesa estão três amplos assentos retangulares, que aqui simbolizam o modelo do mundo terreno. Na frente deles estão duas lâmpadas altas acesas. Suas luzes iluminam a parte superior da sala e permitem ver as colunas - símbolo da aspiração ao céu - e arcos semicirculares indo diagonalmente para longe - símbolo da esfera celeste, o mundo superior. Na parede da extrema direita estão duas figuras escuras de personagens secundários - eles não participam do sacramento contínuo da Eucaristia e, portanto, estão em sombra profunda, não são iluminados pela luz divina. Atrás das costas de Jesus e dos apóstolos estão candelabros com grupos de luzes - os candelabros e a luz deles formam claramente triângulos. O simbolismo do triângulo é a dualidade da ordem mundial, a conexão do divino com o humano, do celestial com o terreno, do espiritual com o material.
A base da composição de cores é preto, vermelho, dourado, branco e azul - as cores do espectro do fogo divino, incorporando a ideia de ascensão como a ressurreição e ascensão de Cristo. Vinho tinto, assentos vermelhos, vestes vermelhas dos dois apóstolos - esta cor simboliza o sangue sacrificial de Cristo e sua próxima ressurreição.Os utensílios de ouro sobre a mesa enfatizam a sacralidade da Eucaristia no Cristianismo. A chama dourada das velas realça o seu simbolismo do fogo divino. A cor azul-azul simboliza o mistério divino. A cor preta das roupas de Judas Iscariotes marca seu envolvimento na morte iminente de Cristo. Além disso, a cor preta distingue Iscariotes dos apóstolos, indica sua posição isolada e alienada.
Existem várias fontes de luz na imagem. Os mais brilhantes são os candelabros atrás das costas dos apóstolos. Jesus está iluminado com mais intensidade - sua cabeça está entre dois candelabros. Isto indica simbolicamente a luz divina de seu ensino. A luz dos candelabros ilumina os rostos e as mãos dos apóstolos - eles estão envolvidos no sagrado sacramento da Eucaristia, a luz do ensinamento divino de Jesus desceu sobre eles. Apenas Judas Iscariotes se afastou das lâmpadas e abaixou a cabeça, encontrando-se nas sombras - isso o distingue entre os apóstolos, informa-o da infernalidade, aponta-o como traidor e apóstata. Duas luminárias altas em primeiro plano e a luz que emana da parte central superior ajudam a visualizar os tetos altos com arcos semicirculares, sugestivos de esferas celestes. A luz que emana da janela da parede esquerda permite avaliar a profundidade da sala representada e distinguir as figuras escuras dos personagens secundários.
A pintura retrata o momento em que Jesus informa os discípulos sobre o traidor. Seu rosto expressa humildade e sofrimento. Os apóstolos pularam confusos de seus assentos e correram para Cristo. João segura a mão de Cristo com as duas mãos, como se buscasse dele o apoio em um momento tão difícil. Pedro aponta com raiva para Judas Iscariotes, expondo o traidor. Mas Judas permanece imperturbável. Ele não entende a profundidade de seu crime. O artista destacou espacialmente seu papel especial, estranho e até hostil ao público (sentado na beira da esquina), com a ajuda da cor e do claro-escuro (roupas pretas, sombra, contra a luz), bem como da equanimidade contra o fundo de excitação e confusão geral.
Salvador Dali "A Última Ceia" (1955)
Salvador Dali é um dos artistas mais brilhantes do século XX. Ele mesmo chamou a direção de seu trabalho de surrealismo.
“A Última Ceia” deste artista é pintada a óleo sobre tela, suas dimensões são 167 por 268 cm.
No ponto central da composição está a cabeça de Jesus. Ele está sentado no centro de uma mesa de pedra dourada. Ao redor da mesa, curvando a cabeça respeitosamente, sentam-se os apóstolos. A sala onde acontece a Última Ceia é coroada por uma cúpula de vidro. Através da cúpula é visível uma paisagem: o mar, ilhas rochosas, céu multicolorido. Barcos no mar brilham através do corpo translúcido de Jesus. Metades de pão perfeitamente colocadas. Os alunos à mesa são colocados de acordo com as leis da simetria central ideal. A taça de vinho está exatamente meio cheia. O símbolo do triângulo é repetido muitas vezes. Apenas a figura de Jesus forma três triângulos com um ápice comum - a cabeça de Cristo: o torso de Jesus com os braços abertos, dobrados na altura dos cotovelos; o triângulo formado pela cabeça e as duas metades do pão, o triângulo de luz que inunda Jesus. Acima de uma mesa retangular - um altar sacrificial, esses triângulos adquirem o significado do divino no humano, do celestial no terreno, do espiritual no material. Os triângulos também formam as figuras dos doze apóstolos. Uma figura translúcida com braços estendidos voa sobre as cabeças do público - um símbolo da cruz, um prenúncio da iminente crucificação de Jesus. A cúpula é composta por pentágonos gigantes – mas qual é o significado simbólico dos pentágonos? Talvez a união de um retângulo e um triângulo em uma figura geométrica para realçar o significado da ideia do divino no humano e do celestial no terreno?
O esquema de cores da pintura é dominado pelo branco, dourado e azul. A mesa, ao contrário da tradição, não é branca, mas sim dourada. Os cabelos de Jesus também são dourados, as roupas de vários apóstolos, o pão, a luz, as molduras da cúpula de vidro - a cor dourada no simbolismo cristão é uma emanação da essência divina. A cor azul das roupas de Cristo e de vários de seus discípulos, o azul das alturas do céu e das profundezas do mar - o azul simboliza o Divino, o Mundo vertical e o mistério divino. A cor branca nas roupas dos apóstolos simboliza pureza, purificação dos pecados, santidade. Apenas uma gota de tinto - meio copo de vinho, personificando o sangue de Cristo - simboliza o sangue sacrificial e a próxima ressurreição de Jesus. Não há preto na composição - há diferentes tons de marrom e cinza, transmitindo densidade e peso do material, por exemplo, aos apóstolos, o que enfatiza a translucidez e a leveza leve de Jesus.
A imagem é inundada pela luz que emana de uma cúpula de vidro. Mas esta luz se derrama antes de tudo sobre Jesus, simbolizando sua essência divina, escolha, pureza e santidade.
As relações dos personagens da imagem são incríveis. No centro das atenções está Jesus radiante e iluminado pela luz divina, abençoando os dons da primeira comunhão. Os apóstolos ouvem com reverência, curvando a cabeça com reverência e humildade e apertando as mãos. Mas quem é Judas Iscariotes? Não há conflito com o apóstata e o traidor na imagem. Todos os discípulos estão igualmente envolvidos no sacramento da Eucaristia, todos estão igualmente imbuídos da luz do ensinamento divino de Jesus. Existe um traidor aqui? Ou vice-versa, algum dos apóstolos pode revelar-se um traidor? Esta questão permanece em aberto.
Leonardo da Vinci. A última Ceia. 1495-1498 Mosteiro de Santa Maria delle Grazia, Milão.
A última Ceia. Sem exagero, a pintura mural mais famosa. É difícil vê-la ao vivo.
Não está em um museu. E no mesmo refeitório do mosteiro de Milão, onde foi criado pelo grande Leonardo. Você só poderá entrar com ingressos. Que precisam ser comprados em 2 meses.
Ainda não vi o afresco. Mas estando na frente dela, perguntas teriam girado em minha cabeça.
Por que Leonardo precisou criar a ilusão de um espaço tridimensional? Como ele conseguiu criar personagens tão diversos? Ao lado de Cristo - João ou ainda Maria Madalena? E se Maria Madalena é retratada, então quem entre os apóstolos é João?
1. A ilusão de presença
Leonardo da Vinci. A última Ceia. 1495-1498 Mosteiro de Santa Maria delle Grazia, Milão, Itália. wga.hu Pensei em adequar harmoniosamente meu trabalho ao ambiente. Ele construiu a perspectiva perfeita. O espaço real passa suavemente para o espaço representado.
As sombras dos pratos e dos pães indicam que a Última Ceia está iluminada pela esquerda. Na sala apenas janelas à esquerda. Pratos e toalhas de mesa também foram pintados da mesma forma que no próprio refeitório.
Outro ponto interessante. Para aumentar a ilusão, Leonardo exigiu que a porta fosse emparedada. Na parede onde o afresco deveria aparecer.
O refeitório era muito popular na cidade entre os habitantes da cidade. A comida era transportada da cozinha por esta porta. Por isso, o abade do mosteiro insistiu em deixá-la.
Leonardo ficou bravo. Ameaçando que se ele não for ao seu encontro, ele escreverá para Judas... A porta estava emparedada.
A comida começou a ser transportada da cozinha por longas galerias. Ela estava se acalmando. O refeitório deixou de trazer a mesma renda. Foi assim que Leonardo criou o afresco. Mas ele fechou o lucrativo restaurante.
Mas o resultado surpreendeu a todos. O primeiro público ficou surpreso. Criou-se a ilusão de que você estava sentado no refeitório. E ao seu lado, na mesa ao lado, está a Última Ceia. Algo me diz que isso evitou a gula dos comensais.
Depois de algum tempo, a porta foi devolvida. Em 1566, o refeitório foi novamente ligado à cozinha. Os pés de Cristo foram “cortados” pela nova porta. A ilusão não era tão importante quanto a refeição quente.
2. Ótimo trabalho
Quando uma obra é engenhosa, parece que o seu criador não teve dificuldade em criá-la. Afinal, ele é um gênio! Para distribuir obras-primas uma após a outra.
Na verdade, a genialidade está na simplicidade. Que é criado por árduo trabalho mental. Leonardo ficou muito tempo diante da obra em pensamento. Tentando encontrar a melhor solução.
O já mencionado abade do mosteiro ficou irritado. Ele reclamou com o cliente do afresco. Ludovico Sforza. Mas ele estava do lado do mestre. Ele entendeu que criar obras-primas não é o mesmo que arrancar ervas daninhas de um jardim.
Longas reflexões eram incompatíveis com a técnica do afresco (pintura sobre gesso úmido). Afinal, envolve um trabalho rápido. Até que o gesso esteja seco. Depois disso, não será mais possível fazer alterações.
Então Leonardo decidiu arriscar. Aplicação de tintas a óleo em parede seca. Então ele teve a oportunidade de trabalhar o quanto quisesse. E faça alterações no já escrito.
Leonardo da Vinci. A última Ceia. Fragmento. 1495-1498 Mosteiro de Santa Maria delle Grazia. wga.hu Mas a experiência não teve sucesso. Depois de algumas décadas, a tinta começou a cair devido à umidade. Durante todos os 500 anos, a obra-prima esteve à beira da destruição completa. E ainda há poucas chances de que nossos descendentes vejam isso.
3. Reação psicológica
Essa variedade de reações dos personagens não foi fácil para o mestre. Leonardo entendeu que pessoas com personagens diferentes reagem de maneira muito diferente às mesmas palavras.
Aos que se reuniam à mesma mesa nas tabernas, ele contava histórias engraçadas ou fatos inusitados. E observe como eles reagem. Para então dar-lhes os gestos dos seus heróis.
E aqui vemos como os 12 apóstolos reagiram. Às palavras de Cristo, inesperadas para eles: “Um de vocês me trairá”.
Leonardo da Vinci. A última Ceia. Fragmento. 1495-1498 Mosteiro de Santa Maria delle Grazia, Milão, Itália Bartolomeu levantou-se do banco e apoiou-se na mesa. Neste impulso, é visível a sua prontidão para agir. Assim que ele souber quem é o traidor.
Andrei tem uma reação completamente diferente. Ele levantou as mãos ao peito com um leve susto, as palmas voltadas para o espectador. Tipo, certamente não é para mim, estou limpo.
E aqui está outro grupo de apóstolos. Já está à esquerda de Cristo.
Leonardo da Vinci. A última Ceia. Fragmento. 1495-1498 Mosteiro de Santa Maria delle Grazia, Milão, Itália Jacob Zevedeev fica muito chocado com o que ouviu. Ele baixou o olhar, tentando compreender o que estava ouvindo. Abrindo os braços, ele segura Thomas e Philip que se aproximavam. Tipo, espere, deixe o Professor continuar.
Thomas aponta para o céu. Deus não permitirá isso. Philip correu para garantir ao Mestre que ele poderia acreditar nele. Afinal, ele não é capaz disso.
As reações são muito diferentes. Ninguém jamais havia retratado isso antes de Leonardo.
Mesmo entre os contemporâneos de Leonardo você não verá isso. Como Ghirlandaio, por exemplo. Os apóstolos reagem, falam. Mas de alguma forma está muito calmo. Monótono.
Domenico Ghirlandaio. A última Ceia. 1486 Afresco na Basílica de São Marcos, Florença, Itália. wikimedia.commons.org 4. O mistério principal do afresco. João ou Maria Madalena?
Segundo a versão oficial, o apóstolo João é representado à direita de Cristo. Mas ele é retratado de forma tão feminina que é fácil acreditar na lenda de Maria Madalena.
Leonardo da Vinci. A última Ceia. Fragmento. 1495-1498 Mosteiro de Santa Maria delle Grazia, Milão, Itália E o oval do rosto é puramente feminino com queixo pontudo. E as cristas das sobrancelhas são muito lisas. Também cabelos longos e finos.
E até a reação dele é puramente feminina. O que ele ouviu o deixou desconfortável. Impotente, ele/ela se agarrou ao apóstolo Pedro.
E suas mãos estão cruzadas frouxamente. João, antes de ser chamado por Cristo, era pescador. Ou seja, aqueles que puxaram da água uma rede de vários quilos.
5. Onde está João?
João pode ser identificado de três maneiras. Ele era mais jovem que Cristo. Como sabemos, antes de ligar ele era pescador. Ele também tem um irmão, também apóstolo. Por isso procuramos um jovem, forte e parecido com mais um personagem. Aqui estão os dois contendores.
Embora tudo possa ser muito mais prosaico. Os dois personagens são parecidos porque uma pessoa posou para o artista.
E John parece uma mulher, porque Leonardo tinha tendência a retratar pessoas andróginas. Lembre-se pelo menos do lindo anjo da pintura “Madonna in the Rocks” ou do efeminado “João Batista”.
A Última Ceia de Leonardo da Vinci é uma das pinturas mais reverenciadas, mais estudadas e mais copiadas do mundo. Ao mesmo tempo, é difícil dizer que mesmo o crítico de arte mais sofisticado saiba absolutamente tudo sobre esta obra. Aqui estão alguns fatos pouco conhecidos:
1. A pintura é bem grande
Inúmeras reproduções foram impressas em todos os tamanhos possíveis, mas o original mede aproximadamente 10 por 5 metros.
2. Mostra o clímax
Todos (existe essa esperança) sabem que a imagem retrata a última ceia de Jesus com seus discípulos, os apóstolos, antes de ser levado cativo e depois crucificado. Poucas pessoas sabem que o autor quis mostrar o momento mais dramático em que o Filho de Deus revela aos presentes que em breve um deles o trairá. Isto explica a expressão de surpresa e raiva no rosto dos apóstolos. Na interpretação de Leonardo da Vinci, neste momento nasce a Comunhão, quando Jesus pegou o pão e o vinho, símbolos-chave deste sacramento cristão.
3. A pintura não está em museu
Apesar de A Última Ceia ser uma das pinturas mais famosas do mundo, o mosteiro de Santa Maria delle Grazie em Milão serve como exposição permanente. Seria difícil transferir esta obra para outro lugar, para dizer o mínimo, estava escrita na parede do refeitório em 1495.
4. A pintura está pintada na parede, mas não é um afresco
Os afrescos são aplicados apenas sobre gesso úmido. Leonardo da Vinci rejeitou esta técnica tradicional por vários motivos, mas o principal deles foi que não queria pressa.
5. Tecnologia exclusiva usada na escrita
Leonardo da Vinci inventou sua própria técnica para aplicar tinta têmpera em pedra. Ele preparou a parede com um material que esperava absorver a têmpera e mantê-la úmida.
6. Muito pouco resta da carta original
A imagem ficou linda, mas a tecnologia citada acima não se justificava. No início do século 16, a camada de tinta começou a descascar e desmoronar. As primeiras tentativas de restauração não tiveram sucesso. A obra sofreu durante a invasão de Napoleão e durante o bombardeio das aeronaves aliadas, quando o mosteiro estremeceu com as explosões. Somente em 1980 começaram um trabalho sério para restaurar a pintura, mas a maior parte da pintura foi perdida para sempre.
7. O martelo e o prego eram ferramentas importantes, junto com os pincéis.
A Última Ceia é famosa pela perfeição da perspectiva, parece ao espectador que ele está pessoalmente presente na cena dramática. Para conseguir essa ilusão, o artista martelou um prego na parede e amarrou fios nele, o que ajudou a criar os ângulos desejados das linhas.
8. Parte da Última Ceia foi destruída durante reparos
Em 1652, foi aberto um portal na parede do refeitório. Como resultado, o fragmento central inferior, que representava os pés de Jesus, foi perdido.
9. Judas pode ser baseado em um verdadeiro criminoso
Sabe-se que pessoas reais serviram de modelo para as imagens dos apóstolos. Quando chegou a hora de escolher o rosto do traidor Judas (ele é o quinto da esquerda, segurando um saco de prata), Leonardo da Vinci foi a uma prisão milanesa em busca do rosto de um canalha ideal.
10. Thomas levantou a mão por um motivo
Tomé fica de lado à direita de Jesus, com os dedos levantados. Há uma suposição de que este gesto significa uma alusão a outros eventos na história bíblica. Quando Jesus ressuscitou dos mortos, Tomé (conhecido por “não acreditar”) duvidou e até examinou suas feridas mergulhando os dedos nelas.
11. A comida é cheia de simbolismo
O sal espalhado na frente de Judas sugere sua traição iminente. No arenque, muitos veem uma associação simbólica com o ateísmo.
12. A pintura gerou muitas teorias absurdas
Em A Revelação dos Cavaleiros Templários, Lynn Picknett e Clive Prince sugeriram que a figura à esquerda de Jesus não representa João, mas Maria Madalena, e que a Última Ceia pode fornecer evidência chave para o encobrimento da verdade de Cristo pela Igreja Católica Romana. identidade pessoal.
Alguns compositores acreditam que alguma informação está codificada na Última Ceia, que é uma melodia. Em 2007, o músico italiano Giovanni Maria Pala criou 40 segundos de harmonia sombria usando notas supostamente criptografadas na imagem. Três anos depois, Sabrina Sforza Galizia, pesquisadora do Vaticano, identificou na pintura “sinais matemáticos e astrológicos” que Leonardo da Vinci, segundo sua versão, anunciou à humanidade sobre o próximo fim do mundo. Ela afirma que a Última Ceia prevê uma inundação apocalíptica que inundará todo o planeta entre 21 de março e 1º de novembro de 4006. Espere muito tempo...
13. A Última Ceia inspirou escritores de ficção científica
Não se trata apenas de O Código Da Vinci. Um exemplo típico de mitologia é a história de como o artista procurava um modelo para a imagem de Judas e, ao encontrá-lo, percebeu que era a mesma pessoa que uma vez posou para ele como Jesus. Anos de vida difícil e injusta parecem ter desfigurado seu rosto outrora angelical. O enredo é divertido, mas completamente alheio à verdade. O fato é que Leonardo da Vinci levou três anos para escrever A Última Ceia, ele trabalhou devagar, muitas vezes fazendo pausas para esperar a inspiração. Mas mesmo durante esse período, um jovem de trinta e três anos (ou seja, a babá) não poderia se transformar em um idoso de aparência desagradável. Aparentemente, há uma tentativa de dar autenticidade histórica a alguém de uma parábola fictícia.
14. A pintura tem sido objeto de muitas paródias e imitações.
Não foram apenas a arte moderna e a cultura pop que homenagearam A Última Ceia. Desde o século XVI surgiram pinturas que reproduzem suas novas interpretações. Mais tarde, muitos artistas usaram um enredo semelhante (Salvador Dali, Andy Warhol, Susan White, etc.), e Vik Muniz até o reproduziu a partir de calda de chocolate. A maioria dessas paródias é considerada blasfema no Vaticano.
15. Ver esta foto não é tão fácil.
A Última Ceia tornou-se um dos símbolos da Itália, mas neste caso a popularidade turística não é estimulada pelo Estado. Pequenos grupos de visitantes (20-25 pessoas) podem entrar no refeitório do mosteiro a cada 15 minutos. Recomenda-se reservar os ingressos com pelo menos dois meses de antecedência. Os turistas não podem ser autorizados a entrar no mosteiro se estiverem vestidos de forma inadequada.
